garciavalera

CUENTOS DE HADAS

2009-07-31T04:42:00.000-07:00

ARTELISTA

2009-07-29T09:16:00.000-07:00

PROYECTO PERSONAL

2009-04-29T04:12:00.000-07:00

La idea, el concepto y el proceso de nuestro trabajo personal en de medio folio

IDEAS CLAVE
La poética de la imagen, relaciones verbo- icónicas

EL CONCEPTO
Este trabajo surge a partir del concepto, realizando fotografías y analizando estas encuentro un denominador común en todas, la imagen femenina en un paisaje idílico, y la necesidad y el gusto por la escritura de ahí la idea de los cuentos de hadas. La mitología, los arquetipos junguianos , los cuentos, el surrealismo, lo onírico, la narrativa y la poesía

EL PROCESO

Mi proyecto consta de tres cuentos, ya que se apoya en las triadas de la mitología de las hadas.
1º. CUENTO:
Las hadas de las tierras rojas de la Mancha, una mujer dentro un paisaje manchego. 4 Fotografías a color y sus correspondientes Haikus

2º CUENTO:
Las hadas danzarinas del Japón.
4 Fotografías a color y texto en prosa “La danza del tiempo

3º. CUENTO:
Las pequeñas hadas del viento y los bosques
4 Fotografías a color y B/n y micro relatos.

visita a ILLION

2009-04-29T04:10:00.000-07:00

Ante todo mi agradecimiento a Ignacio Cajigas por su amabilidad, paciencia y la oportunidad que nos brindó al dejarnos visitar una empresa de tal calibre.
Me llamó la atención la cantidad de gente que allí trabaja, toda muy joven realizando un trabajo muy creativo, de nuevas tecnologías, buen ambiente y como no la granja de renderización
Una empresa española con proyección internacional, puntera e innovadora.

LOS ESPIGADORES Y LAS ESPIGADORAS

2009-04-26T07:00:00.000-07:00

SINOPSIS: Por aquí y por allá, en Francia, Agnès Varda se ha encontrado con espigadores, recolectores y gente que busca entre la basura. Por necesidad, puramente por azar o por obligación esta gente recoge objetos desechados por otros. Su mundo es sorprendente. Constituye un gran contraste con el mundo de los espigadores de ayer, de las mujeres campesinas que escarbaban para conseguir los pequeños granos de trigo que quedaban después de la cosecha. Patatas, manzanas y otros alimentos desechados, cosas sin dueño, relojes sin manillas, televisores, juguetes; éste es el menú de los espigadores de hoy.
Referencias: Es un documental de Agnès Varda, autora de La pointe courte, Cleo de 5 a 7 (1967), Le bonheur (1964) o Sin techo ni ley (1985).
Le surgió la idea viendo un documental en 1999 sobre el mundo agrícola. Participó en el Festival de Cine de Cannes 2000. Consiguió el premio al Cine Europeo 2000 al mejor documental del año

EL ARTE DE LA CALIGRAFIA

2009-04-26T04:51:00.000-07:00

La caligrafía es el arte de escribir empleando bellos signos. El término caligrafía se puede utilizar refiriéndose a dos conceptos diferentes: por un lado, es el arte de escribir con letra artística y correctamente formada, según diferentes estilos; por otro, es el conjunto de rasgos que caracterizan la escritura de una persona o de un documento

Una definición contemporánea de la práctica de la caligrafía es "el arte de dar forma a los signos de una manera expresiva, armoniosa y elegante" (Mediavilla 1996). La historia de la escritura es una historia de evoluciones estéticas enmarcadas por las habilidades técnicas, velocidad y limitaciones materiales de las diferentes personas, épocas y lugares. La caligrafía abarca desde creaciones completamente utilitarias hasta magníficas obras de arte donde la expresión abstracta puede (o no) adquirir mas importancia que la legibilidad de las letras (Mediavilla 1996). La caligrafía clásica difiere de la tipografía y de la escritura manual no clásica, aunque un calígrafo puede ser capaz de crear todas ellas.

La tradición afirma que los caracteres chinos, la forma más antigua conocida de escritura de los existentes hoy en día, fueron inventados por Cang Jie (hacia 2650 A. C.). Otra tradición remonta su creación a los tiempos de Fuxi, el legendario primer emperador de China.

La cultura china concede una gran importancia a la caligrafía. Ésta se fundamenta en la belleza visual de los ideogramas, la técnica de su realización y los preceptos metafísicos de la cultura tradicional china.

La caligrafía occidental se desarrolla mucho más tarde y de forma totalmente independiente. Su origen es el alfabeto latino, con el que en la Edad Media escribían los monjes copistas sobre pergamino. Aproximadamente en la misma época la cultura islámica desarrolla su propia caligrafía, basada en el alfabeto árabe, y debido a la prohibición religiosa de representar seres vivos, la convierte en un arte decorativo de amplio uso en la arquitectura.

Otros alfabetos se desarrollaron en otras culturas, e incluso existen hoy en día, la mayoría de ellos en Asia, y son utilizados de forma habitual en sus respectivos países, aunque globalmente tienen una difusión mucho menor.

fuente: wikipedia

THE PILLOW BOOK

2009-04-26T04:35:00.000-07:00

THE PILLOW BOOK de peter Greenaway, nacido en Inglaterra, comenzó su formación artística como pintor, luego empezó a hacer cortometrajes y películas. En la actualidad ilustra también libros, escribe novelas y sigue pintando
sinopsis: El día del cumpleaños de Nagiko, su padre, un calígrafo de Kyoto, escribe en la cara de su hija su nombre, mientras recita una fórmula que se antoja un versículo del Génesis. Luego escribe su propio nombre en el cogote de la chiquilla, para darle vida, como hiciera Dios. Cuando Dios modeló con arcilla al primer ser humano
le pintó los ojos, los labios y el sexo.
Luego escribió el nombre de la persona para que no lo olvidara...Su tía lee a Nagiko cada noche el libro Makura no Sôshi, Diario Intimo*, de la Dama Sei Shonagon, una cortesana del Kyoto del siglo X, en pleno Periodo Heian. La riqueza exuberante de las descripciones de Sei Shonagon, el hecho literario, el libro mismo como entidad y la lectura y la escritura acompañarán a Nagiko a lo largo de toda su vida hasta hacerle decir que "los mayores placeres de este mundo son los de la lectura y los de la carne". Ella los conjuga con la voluntad de transformar su cuerpo en soporte de escritura y usar otros para plasmar su creación literaria.

"Estoy convencida de que hay dos cosas en la vida que son
fundamentales: las delicias de la carne y la delicias de la literatura.
Yo he tenido la suerte de disfrutar de las dos por igual..."

"Si no existiera la literatura... qué terribles depresiones sufriríamos..."

Tras su matrimonio, decidido en la infancia con los auspicios del editor de su padre que llegará también a publicar sus trabajos, se inicia su viaje iniciático. Buscará amantes que escriban sobre su cuerpo. Pero la conjunción del amante diestro en las artes sexuales y con profundidad espiritual y maestría caligráfica no abundan.

Serán primero los kanjis los que se representen sobre su piel. Más tarde cualquier grafía será investigada hasta dar con Jerome, un escritor y traductor inglés afincado en Hong Kong, que cambiará su actitud. Ël se ofrece para ser el vehículo que lleve sus escritos al editor, con el que mantiene una relación, homoxesual, como antaño parece que mantuviera el padre de Nagiko.

Ella y su editor competirán por Jerome hasta un desenlace terrible. Mientras nos vemos bombardeados por emociones, sensualidad, refinamiento, un fetichismo evidente y otro solapado que queda hurgando en recovecos de nuestra experiencia. El mensaje y el mensajero se funden. La piel es poseída por el escritor y el lector, pero, ¿poseemos también el cuerpo y la persona del mensajero?, ¿poseemos/nos poseen así los libros?.

Las constantes alusiones al libro de Sei Shonagon, la música que acompaña, seduce y golpea, el montaje magistral con el toque personalísimo de Greenaway... todo ello hace de esta película una joya que hay que ver varias veces para penetrar en cada una de sus capas.

Y por qué no... probemos a tomar un pincel y escribir sobre el cuerpo de nuestro amante...

El autor es Juan Carlos Rodríguez Santos

LA HABILIDAD DE MOSTRAR LO YA CONOCIDO

2009-04-26T03:40:00.000-07:00

El comisario es una figura que alcanzó su máxima relevancia en la década de los 90, cuando brillaron estrellas como Dan Cameron, que pasó de ser el director de un pequeño museo de Nueva York dedicado al arte de minorías, The New Museum, a 'cazatalentos' conocido en el mundo entero.

Su relevancia va unida a la revisión del concepto mismo de museo, que era como una iglesia donde se iba a adorar las obras de arte en silencio. En palabras del teórico canadiense Serge Guilbaut, "los comisarios regulaban las exposiciones repitiendo los valores que habían recibido a través de su formación conservadora".

Para dar una idea del estado de las cosas, recordemos que en Francia, por ejemplo, a los comisarios se les llama 'conservateurs' (conservadores) o 'commissaires' (comisarios), lo cual no inspira una especial apertura y experimentación. Incluso la palabra 'curator' (comisario) significaba en la vieja Inglaterra 'cuidador de dementes'.

Esta situación cambió cuando los museos empezaron, muy lentamente, a demandar algo más que exposiciones de personajes famosos (impresionistas, Picasso, Dalí o Toulouse Lautrec), que atrajeran turistas.

Descubrieron que este nuevo público quería un diálogo "respetuoso y mordaz con el pasado sin que resultara aburrido". La misión de los comisarios era entonces idear nuevas formas de mostrar lo ya conocido.

El siguiente reto, asumido por muchas menos instituciones, buscaba lanzar a la palestra a creadores recientes, cuya relación con la tradición requería aún más explicaciones y riesgos para sus organizadores.

Fuente: el mundo.es/metrópolis

ARMA-RIOS DE MUJER

2009-04-23T10:43:00.000-07:00

Mª. Jesús Abad Tejerina, profesora de BBAA. del CES FelipeII, expone actualmente en el centro Cultural Galileo de Madrid su obra "Arma-rios de mujer", "un lugar secreto" dice ella y es verdad, donde las mujeres acumulamos ropa de manera escandalosa.
El montaje de las obras es todo un derroche de fantasia y creatividad, así como sus fotografías, cada una con su estética particular.
La obra se compone de 13 piezas de 13 tripticos de fotografías de mujeres de clase media española, de diferentes edades y profesiones, cada triptico se compone de la fotografía de una mujer desnuda, su armario y un inventario de este último.
Pero además en un alarde de generosidad encomiable Mª. Jesús Abad ha permitido a sus alumnos exponer una obra formada también por un triptico.
Solo me queda desde estas líneas darte la enhorabuena , desearte mucha suerte y expresarte mi más profundo agradecimiento por este regalo que nos ha dado y también como no por tu labor como docente, porque contigo hemos aprendido. ¡Gracias¡

Esta es la foto de la mujer del triptico presentada por mí en la exposición.

LAMU, LA CIUDAD SIN HUERFANOS

2009-04-23T10:04:00.001-07:00

La imagen al igual que los sentimentos no tiene fronteras

Imágenes Solidarias nace el propósito de fotografiar y plasmar con su objetivo todo aquello que signifique solidaridad. Como la fotografía, el objetivo de Imágenes Solidarias viajará por todo el mundo, allí donde pueda reflejar una injusticia, una labor humanitaria o simplemente un escenario. Su último proyecto, financiado por La Caixa, les ha llevado hasta Lamu, una pequeña isla de Kenia para retratar el trabajo que está realizando la ONG Anidan, que mantiene desde julio de 2002, una casa de acogida para niñas y niños marginados y sin arraigo familiar, a los que ofrece, además de un hogar, los servicios sociales básicos, con especial incidencia en su alimentación, sanidad, educación y con sujeción a los principios contenidos en la Declaración de los Derechos del Niño de las Naciones Unidas. Actualmente, la casa acoge a 130 niños y colabora con otros en situación de riesgo, a los que no puede acoger por falta de espacio. Estas fotografías realizadas por Jesús Arce estan expuestas hasta el 30 de Abril en la librería Tierra de Fuego en la Trav. Conde Duque ,3

EXPOSICIÓN "LA GRAN RECOLECCIÓN"

2009-04-22T15:20:00.000-07:00

Actualmete hay una exposición de fotografía en Albacete llamada "la gran recolección", os muestro las fotos de Alejandra, Pablo y la mía.

4º elemento, EL VIENTO

2009-04-22T13:49:00.001-07:00

Eolo, dios del viento, solo quiere jugar con tu pelo

Le gusta jugar con tu vestido y el ala de mi sombrero
A veces vamos donde el viento nos lleva
Otras nos trae el aroma de la mar aunque esté lejos y no oigamos el batir de sus olas

Corren aires festivos y las banderas se agitan bailando al compas con el que viento sopla

OS PRESENTO A KAFKA

2009-04-12T11:21:00.000-07:00

Mirad el nuevo miembro de la casa, ha llegado hoy, justo cuando nos volviamos a Madrid, es manchegillo de Albacete, se llama Kafka, aunque todavía no sabemos el sexo. ¿A que es precioso?

MEZCLA DE GÉNEROS III, pintando en la vieja fábrica

2009-03-31T14:27:00.000-07:00

TRABAJO PERSONAL (5-II) UN VIAJE AL RECUERDO POR LAS TIERRAS ROJAS DE LA MANCHA

2009-03-31T11:18:00.000-07:00

TRABAJO PERSONAL (5) COLLAGES continuidad roja

2009-03-31T11:08:00.000-07:00

JUAN GALLEGO "MEMENTO MORI"

2009-03-31T09:03:00.000-07:00

Memento mori, frase latina que significa "Recuerda que morirás" en el sentido de "Recuerda que eres mortal". Suele usarse para identificar un tema frecuente, o tópico en el arte y la literatura que trata de la fugacidad de la vida.

La frase tiene su origen en una peculiar costumbre de la Roma antigua. Cuando un general desfilaba victorioso por las calles de Roma, tras él un siervo se encargaba de recordarle las limitaciones de la naturaleza humana, con el fin de impedir que incurriese en la soberbia y pretendiese, a la manera de un dios omnipotente, usar su poder ignorando las limitaciones impuestas por la ley y la costumbre. Lo hacía pronunciando esta frase, aunque según el testimonio de Tertuliano, Apologético 33, probablemente la frase empleada era "Respice post te! Hominem te esse memento!": "¡Mira tras de ti! Recuerda que eres un hombre" (y no un dios).

También se usa esta frase para denominar a las representaciones de difuntos en la historia del arte.

Se destaca una costumbre de fines del siglo XIX y principios del XX que consistía en fotografiar a los seres queridos que habían fallecido, conocida como fotografía post-morten. Se trata de imágenes que implican un acercamiento de la fotografía a la representación de cuerpos muertos, a fin de ser recordados en los últimos momentos.(Wikipedia)

Con esta expresión latina llega Juan Gallego a la galería Fernando Pradilla, recordándonos que hasta la naturaleza más bella pierde su esplendor. Grandes cuadros inundados de color decoran las inmaculadas paredes de la sala. Violetas, verdes, rojos, pero también los cremas dibujan pétalos y detalles de unas flores que parcen haber sido tomadas con un macro para luego desdibujarlas hasta casi la abstracción. Flores que envuelven al observador, tan intensas que casi se puede sentir su aroma, su delicada textura, ajada ya por una incipiente decadencia, que paradojicamente potencia más su hermosura.

Pero otras veces se me antojan ropajes de tacto suave, fresco y delicado como el saten, otras de tacto cálido como agostadas, si las telas se pueden agostar por estar tendidas al sol.

Flores como diosas. Telas que cubriran su último aliento.

¡Bravo Juan¡

A solas con Soledad Lorenzo

2009-03-27T14:48:00.000-07:00

Nos invitó en su Galería de Madrid a puerta cerrada, solo para nosotros, los privilegiados.
Nos deleitó con su charla, nos habló del arte y de la emoción, desde la subjetividad y concibiendo el arte como un enamoramiento, el tiempo fue pasando, hasta que llegó la hora donde el encantamiento se rompe y hay que volver a la realidad. Soñamos unos momentos y volamos fantaseando, luego salimos a la calle y cogimos el Metro, pero el Metro de Madrid no vuela como dice el anuncio, el Metro de Madrid te transporta inexorablemente a la realidad más dura de la existencia como artista.

"Gastamos las palabras de usarlas y los artistas te dicen las cosas con naturalidad porque no son intelectuales en el sentido de hablar del pensamiento sino que son intelectuales de la vida misma".

"Soy el resultado de mi vida uno es lo que tiene, lo que busca y lo que hace".

"La creencia no es nada mas que lo que vivimos"

PÁGINAS WEEB PRESENTADAS

2009-03-27T14:29:00.000-07:00

www.ellenkooi.nl/
www.photoneil.com/
www.chemamadoz.com/chemamadoz.htm

CARAVAGGIO de DEREK HARMAN

2009-03-27T13:48:00.000-07:00

Sinopsis: El pintor Michelangelo Merisi, nacido en Caravaggio se esta muriendo lejos de su hogar. En el lecho de muerte recuerda los momentos de su vida como pintor y la relación con los modelos masculinos que utilizaba en sus pinturas, en especial de Ranuccio Tomasoni del que estaba locamente enamorado.
Derek Herman cuyo verdadero nombre era Michael Harman, nació en Reino Unido en 1942

y falleció en 1994.

Fue un artista muy polifacético ya que ademas de dirigir películas rodó cortos, video-clips, hizo escenografías, fue pintor, escritor productor y director de ópera.

sus impactantes imágenes coloristas fotográficas y cuidadas van directamente al cerebro dando sacudidas cargadas de emonción, la narración aquì carece de importancia, la comunicación es puro lenguaje visual.

MEZCLANDO GÉNEROS, escritura y otros

2009-03-25T16:43:00.000-07:00

MEZCLANDO GENEROS

2009-03-16T10:41:00.001-07:00

BODEGON Y FIGURRA HUMANA

MÁQUINAS Y FIGURA HUMANA

ARQUITECTURA Y BODEGÓN

DEPENDENCIAS -Eulalia Valldosera- Exposición MNCARS

2009-03-15T07:43:00.000-07:00

INTERACCIÓN. Me sorprendes tanto como me gustas, Eulalia
Mira, asomate, estoy lleno, luego estaré vacio.
Dentro fuera, amor y sexo, limpiar, ensuciar, volver a limpiar, volver a ensuciar, la mujer bote, el hombre rebote, luz y sombra de mujer, danza de bayeta, el cristasol que ni es cristal ni tiene el poder de que salga el sol, tu y yo, la in/comunicación, las peleas,el acarrear comida, las maletas, ya no te quiero, ya no me importas, escucha, escucha, oye, escucha, mira, ven, ven mira, escucha, mira, pero escucha...

LA SOMBRA, Exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza

2009-03-15T07:03:00.000-07:00

Sombra, porción de oscuridad donde la luz no penetra.
Sombras que asombran.

Nunca nos acordamos de ella, pero la echamos en falta cuando no la vemos

La sombra en el arte surge por puro reflejo de la realidad, pero la sombra "refleja" estados, momentos y vidas.

A veces nos define personas: "de semblante sombrío", "no es ni sombra de lo que fue", "se consumió en las sombras ", "su vida se llenó de sombras"... otros tienen "mala sombra" o la pierden como Peter Pan, (menos mal que campanilla se la cosió).

También he conocido ciudades sin sombra como Lima, nunca la encuentras, ni en los edificios ni en las personas ni en los animales ni en los árboles, es como si el sastre las hubiese cortado con sus tijeras.

Exposición de DAI. K.S.

2009-03-09T04:50:00.000-07:00

DAI. KS. (1974) nacido en Madrid, de origen asiático nos propone su nuevo trabajo inspirado en el paisaje, en sus límites concretamente. Titulada "Puesta en Abismo" muestra piezas monocromas de gran formato; son dibujos de grafito recortados con formas geométricas, las cuales flotan en la pared. Unas extrañas obras entre lo bidimensional y lo tridimensional acompañadas de una sensación de color.

WEEGEE´S NEW YORK

2009-03-09T04:11:00.000-07:00

Exposición de fotografías de Weegee´s en la Fundación Teleónica de Madrid, en blanco y negro de uno de los más famosos reporteros de todos los tiempos. Se nos muestran 270 fotografías realizadas a lo largo de los años 30 y 40 acerca de la vida neoyorkina de la época después de la Gran Depresión .

Weegee´s no tenía pretensiones estéticas, solo buscaba la inmediatez y el efectismo en sus imágenes sobre sucesos impactantes que la prensa demandaba.

La policia de NY le otorgó el privilegio de llevar una radio de policia en su coche, por ello era siempre el primero en llegar al escenario de la tragedia, incluso a veces antes que la policia.

Hay una película norteamericana titulada "Ojo Público", protagonizada por Madelaine Ston y Joe Pessi que muy posiblemente está basada en o al menos inspirada en Weegee´s.

Pero Weegee´s también nos ha dejado constancia de la vida nocturna de NY, del Harlem, el circo ...

Recomendable especialmente para Rhuty nuestra reportera.

EXPOSICIÓN DE SANTIAGO TALAVERA

2009-03-09T03:39:00.000-07:00

Santiago Talavera nos propone en la "LA ISLA DE LOS VORACES" un paseo por una isla que es un jardin, un jardin en miniatura de una realidad extrañamente infantil, algo que parece a primera vista un juego de niños nos inquieta y nos descoloca. La sonrisa inicial con la que nos acercamos se torna mueca congelada. Nos hemos perdido.

VISITA A LAS BODEGAS DE CARLOS III

2009-03-08T11:55:00.001-07:00

AMAR EN TIEMPOS REVUELTOS

2009-03-08T10:48:00.001-07:00

EXPOSICIÓN DE BARBARA STAMMEL

2009-03-08T10:22:00.001-07:00

Barbara Stammel es una pintora alemana nacida en 1960 que actualmente reside en Guetaria.
Su obra es figurativa a la vez que conceptual, sus oleos recuerdan también al expresionismo por la pincelada y el color, aunque este último algo atenuado.

Sus rostros siempre de primeros planos son muy expresivos. Los primeros planos de sus primeros planos todavía me gustan más.

La sala donde está la exposición es increible. Sus columnas nos dejan ver y al mismo tiempo nos lo impide, tienes que llegar al fondo de la sala, al fondo de la cuestión, llegar para observar y ser observado, ¿has visto esos ojos que te miran?

EL FUEGO

2009-03-08T04:29:00.000-07:00

La pasión enciende fuegos

Si juegas con fuego te puedes quemar

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Su caracter lúdico en las fietas y su gran poder destructor en incendios y guerras

MIRROR MASK

2009-03-08T04:21:00.000-07:00

Helena soñaba con abandonar el circo de su familia en el que trabaja y llevar una vida normal. Cuando de repente aparece en un lugar extraño un lugar onírico y viaja por las Tierras Oscuras, un paisaje fantástico habitado por gigantes, pájaros mono y peligrosas esfinges. Helena deberá encontrar la Máscara de Cristal, un objeto cuyo enorme poder es su única esperanza para escapar de las Tierras Oscuras, despertar a la Reina de la Luz y volver a casa.
Es una película fantástica con estética de cuento, muy imaginativa y de imaginación desbordante lo único es que adolece de un buen guion, bueno esta es mi opinión.

ZONAS DE RIESGO. Colección de Arte Contemporáneo Fundación "La Caixa"

2009-02-22T08:21:00.000-08:00

La Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa” está formada por más de 750 obras que van desde el minimalismo, el arte povera, la pintura expresionista y la escultura de los años ochenta.
La exposición Zonas de riesgo se enmarca en la voluntad de la Obra Social ”la Caixa” de mostrar su fondo de arte contemporáneo en sucesivas exhibiciones con diferentes selecciones de las obras que componen la Colección, agrupadas en torno a diferentes temáticas, técnicas o discursos artísticos.
¿Cuál es la visión del arte ante los conflictos que afectan a nuestra existencia en un mundo cada vez más incierto e impredecible? ¿Cómo afecta a los artistas y a sus obras el inquietante escenario actual, dominado por la violencia, la desigualdad, la exclusión social y la sensación de vulnerabilidad y aislamiento del individuo?
La exposición Zonas de riesgo. Colección de Arte Contemporáneo Fundación "la Caixa" nos presenta un reflejo fiel de la realidad que nos toca vivir por medio de las obras del fondo de arte contemporáneo de la Obra Social "la Caixa". La exposición muestra los trabajos de 14 artistas de diferentes generaciones y países que nos hacen reflexionar sobre el comportaminento humano y la perdida de valores sociales.
La mayoría de las obras son posteriores a 2001, año clave en la configuración del nuevo orden político, social y económico, y muchas de ellas se exponen por primera vez en Madrid. Entre las obras seleccionadas en la muestra organizada por la Fundación "la Caixa" hay trabajos de Carlos Amorales, Mona Hatoum, Miguel Ángel Ríos, Eija-Liisa Ahtila, Adrian Paci, Txomin Badiola, Jana Sterbak, Alicia Framis y Stephen Dean.

Son obras de una absoluta contemporaneidad. En ellas podremos ver cómo los artistas, utilizando la pintura, el vídeo, la fotografía o la instalación y a veces con materiales poco habituales en el arte, nos hablan, con actitudes provocativas y de resistencia, de una realidad marcada por la violencia, las desigualdades sociales y el aislamiento del individuo, un "Material para la reflexión"

Si subes a la tercera planta está el Mar de Barceló donde enseñan el proceso de trabajo que llevó a cabo Barceló en la cúpula de la sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de Civilizaciones del Palacio de las Naciones Unidas de Ginebra, fotografiado por Agustí Torres.

Una de las fotografias del proceso es el cuaderno de artista donde se pueden apreciar sus acuarelas y textos a modo de bocetos

Casi me ha parecido más interesante el proceso en sí que el resultado, aunque he de decir que no lo he visto salvo por televisión y fotos.

Y con el pensador de Rodin a la entrada de la Caixa se da uno de bruces. (Arte a las puertas de los museos y fundaciones, arte en la calle, no es bueno poner puertas al arte). Rodin nos hace estremecernos ante sus gigantes, nos sorprende a la vuelta de la esquina, nos saca por unos minutos de nuestros pensamientos y nos embelesa.

ARCO 2009

2009-02-22T08:11:00.000-08:00

ARQUITECTURAS INVENTADAS

2009-02-22T07:53:00.000-08:00

Exposición de Jonathan Hernández

2009-02-15T04:10:00.000-08:00

Jonathan Hernandez nació en Ciudad de México en 1972 donde sigue viviendo y tabajando. Estudió Artes Visuales en la Univesidad Nacional Autónoma de México y también Arquitectura durante un año en Montreal.
Expone actualmente en Madrid en la Galería La Caja Negra bajo el título La ruta natural, donde hace un doble juego del espejo que crea una realidad nueva, con entidad propia y uno ya no sabe cual es la cópia y cual su original. Tiene una postura crítica e irónica sobre la distorsión con la que percibimos el mundo.
Mediante una serie de fotografías, collages, cerámicas y un video en la que muestra la fuente de la Cibeles de Madrid y la copia de Ciudad de México nos muestra una reflexión sobre el modelo y su doble, como a veces la realidad falsificada se convierte en la ralidad, como muchos acontecimientos históricos se ha tergiversado y a partir de ellos se ha escrito la Historia

TRABAJO PERSONAL 4ª ENTREGA

2009-01-31T13:01:00.000-08:00

TRABAJO PERSONAL 3ª ENTREGA

2009-01-31T12:56:00.001-08:00

FOTOGRAFIANDO CON OJOS DE MOSCA

2009-01-22T14:09:00.001-08:00

CECILIA DEL VAL, Galería Cámara Oscura

2009-01-17T12:37:00.001-08:00

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Cristina del Val expone hasta el 28 de febrero en la galería "cámara oscura" de Madrid su obra fotográfica titulada "Nunca te prometí un jardín de rosas".
Cristina del Val nacida en Zaragoza en 1975 es ademas de fotografa la cantante de un grupo folk country.El grupo se llama Garygeld and the Dead Monegros.
Acaba de recobir el premio Isabel de Portugal de Fotografía.
Curiosamente Cecilia es la protagonista de sus obras al igual que Helena Almeida, la exposición anterior que he visitado, a diferencia de esta, Cecilia completa sus obras con Photoshop con una obsesión por la clonación. Su obra en palaabras de la artista, tiene mucho que ver con el tema de la identidad. "Toda mi obra está muy influenciada por la literatura. Me interesan mucho, desde siempre, los cuentos y los ámbitos inquietantes de Edgar Allan Poe, de Borges y de Kafka. Ellos crean atmósferas que siempre me han atraído."

Otra coincidencia con Almeidaen su forma de trabajar Sus fotos estan muy pensadas primero hace dibujos e incluso maquetas. Elije un escenario, busca localizaciones, una naturaleza determinada y luego va allí con sus ropas, "llevo siempre más vestuario del que voy a usar. A veces cuento con un ayudante, mi compañero el pintor y artista Yann Leto, o yo sola. Me gusta salir a hacer fotos con otros compañeros, aunque cuando ven cómo actúo la puesta en escena, alucinan un poco; suelo aprovechar para hacerles fotos a ellos. Compongo, y uso temporizador y mando a distancia. Luego, en casa, casi obsesivamente, completo el trabajo con el Photoshop.)

En sus fotos casi siempre hay implícita una historia, una mezcla de narración, creación de atmósferas y de búsqueda. Hay una evocación a los cuentos de hadas, pero también aparecen la fatalidad, el terror e incluso el dolor…
" Me gusta utilizar la fantasía y también ese estilo oscuro, perturbador, esa especie de crudeza. Mis fotos tienen el contraste de la vida. No busco el dolor, pero me sale.".
Cecilia del Val en este aspecto onírico me recuerda a la fotógrafa holandesa Ellen Kooi a la que tuve oportunidad de ver en La Casa Encendida. Al igual que esta , Cecilia cuestiona la individualidad y la identidad por medio de la multiplicidad y la repetición y lo hace en una atmosfera fantastica, los indicios de la realidad se disuelven por medio de la luz en esos escenarios reales.

2009-01-17T12:35:00.000-08:00

HELENA ALMEIDA en la Fundación Telefónica

2009-01-17T11:23:00.000-08:00

Helena Almeida nació en Lisboa en 1934 y es en esta ciudad donde sigue viviendo y trabajando.
Actualmente en la Fundación Telefónica podemos ver una exposición titulada Tela rosa para vestir que además es el punto de partida en el proceso ceativo de su obra en 1969.
La preocupación por los sentimientos, la incomunicación, la soledad y la ruptura son algunos de los temas presentes en su obra
Ella piensa y planifica sus creaciones, y su marido dispara
"Mi obra es mi cuerpo, mi cuerpo es mi obra". Con estas pocas palabras, Helena Almeida intenta resumir el contenido de una exposición donde la propia artista es el objeto retratado. Aunque en diferentes etapas de su vida ha recurrido a la escultura o la pintura para manifestarse, la fotografía es el lenguaje en el que la creadora lisboeta ha compendiado las otras formas de expresión artística.
Antes de hacer la fotografía Almeida piensa la imagen, hace bocetos de la puesta en escena por medio de muchos dibujos, decide donde y como vá a posar y es finalmente su marido, también artista, quien aprieta el disparador. Cristina quien siempre se ha retratado sola, en esta última serie ha incorporado a su marido en dos de sus obras: "el abrazo" y "la conversación".
Sus fotografías estan realizadas en blanco y negro aunque el color está presente en su obra a base de brochazos o pinceladas de color azul añil o rojo, como un recuerdo a su etapa de pintora.
A medio camino entre la performance (captación de un instante) o el body art (el cuerpo como protagonista absoluto),trata de fotograiar los sentimientos mas profundos por medio de un enorme impacto visual y con escasos recursos al mismo tiempo. Helena Almeida es sencillamente cautivante congue que sus imágenes se graben en la retina de quien las contempla, el rojo y el azul ajeno a la foto contribuyen a ello al igual que el cuerpo tratado como una mancha, lo ambiguo es su aliado. Realmente poderosas las imágenes.

PROXIMA FERIA DE FOTOGRAFÍA "MADRIDFOTO"

2009-01-15T10:14:00.000-08:00

Nueva feria de fotografía en Madrid

Acaba de anunciarse la celebración, entre el 13 y 17 de mayo próximos, de la feria MADRIDFOTO, bajo la organización de "ART AFFAIRS, empresa perteneciente a un grupo de coleccionistas y empresarios y al frente de la cual están Enrique de Polanco (director general de la editorial El Tercer Nombre) y Juan Carlos Díaz". La dirección artística corre a cargo de la comisaria y artista Giulietta Speranza (Roma, 1969).

Como su nombre indica, MADRIDFOTO, que cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid, se especializará en arte fotográfico y audiovisual y tratará de reunir en el pabellón Satélite Arena de la Casa de Campo madrileña un total de 40 galerías (60% internacionales y 40% nacionales) sobre 2.000 m. cuadrados que estarán comunicados por una de sus paredes con el Madrid Arena, que habilitará otros 2.000 m. cuadrados, donde se ubicarán las zonas VIP, cafetería, restaurante y hall de entrada. La selección correrá a cargo de un comité asesor integrado, entre otros, por Rafael Doctor (todavía director de MUSAC) y la comisaria Lorena Corral , además de la referida Giulietta Speranza, que ha trabajado durante siete años en el MNCARS, ha sido subdirectora artística de PhotoEspaña en las ediciones 2005 y 2006 y acaba de organizar Doméstico08 en Madrid. Los espacios de 35-45 m. cuadrados tendrán un coste de 8.000 Euros.

Pese a disponer de un festival de referencia en fotografía como PHOTOEspaña, Madrid carecía hasta ahora de feria de fotografía que tienen otras plazas como París o Miami. Recientemente la feria Estampa, y por supuesto ARCO, acogía a la fotografía dentro de su nueva definición como feria del arte múltiple.

REVISTA DE VIAJES

2009-01-15T03:10:00.000-08:00

SELECCION FOTOGRAFÍA

2009-01-15T03:05:00.001-08:00

Revista BABELIA

2009-01-13T11:12:00.000-08:00

BABELIA
Suplemento de artes del diario El País. Edita: Diario El País.
Periodicidad: semanal.
Soporte: papel y digital.
Página web: http://www.elpais.com/suple/babelia/
Día: Sábados con el diario "El País"
Director: Guillermo Altares desde noviembre de 2007. Anteriormente era redactor de la sección de Internacional para este mismo periodico. Trabajó también para la Agencia "France Presse" y para el diario "El Sol".

Ha publicado un libro titulado "Esto es un infierno, los personajes del cine bélico" en 1999 y ha participado en el ensayo colectivo "Imágenes del mal"

La revista Babelia fue remodelada según diseño de Oscar Mariné en 2007.
Mariné, diseñador gráfico, participó en la decoración navideña de la Gran Vía de Madrid en 2008. Entre sus múltiples trabajos destacan el cartel para el Festival de Cine de Donostia, el logo de la cadena Ser, el cartel del edificio Matadero o el Semanal de "El País".

Secciones habituales:

-Libros

-Arte

-Arquitectura

-Música

Otras secciones:

-Diseño

-Cine

-Danza

-Comic.

En esta revista conviven: opinión, información puntual y textos de largo recorrido con gran atención a la imagen. Desarrolla todos los géneros periodisticos (entrevista, reseña, crónica, perfil...) ademas de relatos, poemas y foto

Babelia como su nombre indica trata de albergar toda la cultura, prestando atención a la creación en español y preferente para iberoamérica.

Colaboradores:
Clásicos: Carlos Fuentes, Juan Goytisolo, Antonio Lobo Antunes, Alberto Manguel, Margo Glantz.
Creadores: Francisco Casavella, Justo Navarro, Rodrigo Fresán, Iñaki Ábalos, Menchu Gutierrez.
Análisis de especialistas: José María Guelbenzu, Rafael Conte, José Luis Pardo, Chantal Maillard, Antono Elorza, Francisco Calvo Serraller, Angela Molina, Anatxu Zabalbeascoa, Marcos Ordoñez, Diego A. Manrique y Carlos Galileo

LA ESCUELA YI, treinta años de arte abstraco en la CAIXA FORUM

2009-01-04T08:17:00.001-08:00

"Treinta años de arte abstracto chino" es el título de la exposición colectiva que está en la CaixaForum. La exposición tiene como objetivo mostrar las obras de
la Escuela Yi, un movimiento que intenta representar la meditación en la pintura.
Esta escuela puede considerarse como una especie de arte contemporáneo chino que por primera vez demuestra la resistencia a colaborar con el kitsch ya fuese de forma ideológica o material. Es lo que la teoría confuciana denominó ". (Gao Minglu, catálogo de la exposición.)

Las obras abordan temática como la experiencia surgida de la contemplación y el recogimiento, con la representación de elementos tradicionales de la unidad y la armonía de la filosofía oriental.

La muestra está dividida en tres apartados:

* Yi Xiang o imagen mental, corresponde con un momento inicial a mediados de los 60, cuando durante la Revolución Cultural china los artistas no oficiales tratan de buscar un arte personal y puro, opuesto al arte propagandístico político de Mao.

Los temas de este periodo son paisajes y objetos de la naturaleza, de la mano de artistas como

Shang Yang,Zhao Wenliang, Ding Fang, Chao Ge, Su Xiaobai, Qin Yufen o He Chengyao.
* Yi Li o principio mental, se centra en la representación del aprendizaje del universo y la cultura, utilizando símbolos orientales. Los cuadros se tornan más abstractos y con formas geométricas, de la mano de artistas como Yu Youhan, Li Shan, Ren Jin, Zhang Jianjun, Yan Binghui, Yang Zhilin, Huang Yali, Wang Chuan, Meng Luding, Tan Ping,

Man Fung-yi y Lei Hong.
* Yi Chang o entorno mental, aúna artistas distintivos del maximalismo, filosofía surgida a finales de los 90. Este estilo aborda lo mental, el proceso de producción del arte y la contextualización de la obra, de la mano de artistas como Li Huasheng, Zhang Yu, Liu Xuguang, Zhou Yangming, Zhang Fan y Xu Hongming.

CHEN CHIEH-JEN, La Fábrica galería

2009-01-04T01:15:00.001-08:00

BIO-ART

2008-12-18T11:51:00.001-08:00

EL CUERPO. SIMULACIÓN DE BIO-ART

JUSTIFICACIÓN DE LAS IMÁGENES

He realizado unas imágenes para un proyecto de Bio-Art, “Un cultivo de manos” es el título de la primera imagen . “Infundir vida”, la segunda (recargar de energía eléctrica para su movimiento) y la tercera “Transplante”.

Se trata de concienciar a la sociedad en general y a las políticas mundiales de la necesidad del trabajo con células madre, para poder crear miembros, órganos y demás componentes del cuerpo humano. El bio-art utiliza la biotecnología como medio de cultivo, la genética, las transformaciones morfológicas. Etc. Es una de las corrientes más mordernas o nuevas del arte actual y genera bastante polémica.

Estos trabajos científicos pueden llegar a salvar vidas y a incorporar a la sociedad a muchas personas que sufren amputaciones de miembros y graves enfermedades.

MIGUEL BLANCO Y EL ÁRBOL CAIDO

2008-12-16T12:05:00.001-08:00

MIGUEL ÁNGEL BLANCO, expone en el museo LÁZARO GALDIANO de Madrid bajo el título “EL ÁRBOL CAIDO”.

Miguel Ángel Blanco el artista de los árboles, nos enseñó su obra, nos leyó sus libros, y nos embelesó con sus historias, que tratan de la historia de los libros, recogida y guardada con suma delicadeza entre algodones, en serrín, o con resinas… libros- esculturas, cajas donde también se pueden leer en sus páginas huellas, dibujos, grabados, fotografías…un deleite.

Biografías volumétricas alojadas a modo de frutos en las estanterías de su biblioteca del bosque que el autor posee en su estudio de Cercedilla .Biografías de árboles encontramos también en esta exposición, algunas de las cuales irán a formar parte de esa biblioteca, bajo títulos como: Árboles Místicos, Legendarios y Proféticos al que pertenecen varios volúmenes como: Raíz del Nagual, Ficus Religiosa, El árbol de la víbora, Mesquite, el Árbol fundador de Tequisquiapán, Trombosis, Árbol interior Saqqara, El Árbol del incienso de Hatshepsut, etc. Supervivientes, Tumbadas, Testigos de la Historia etc.

El artista se define como un místico que ama la naturaleza y la conoce, no en vano viene de familia de guardabosques. El se recluyó durante varios años en una casa en Cercedilla donde estaba rodeado por la naturaleza, por sus amigos los árboles. Los escucho, los admiró, los estudió y dialogó con ellos, estos le contaron sus secretos y él los escribió, guardados en cajas sin llaves para todo aquel que le interese. De tan estrecha relación, el artista tiene algo de esa naturaleza, de árbol humano. Su tronco es delgado, impregnado de filosofías orientales a modo de savia, y flexible como el junco que se mece con el viento, resistente para no partirse, su pelo y su barba a modo de copa tiene el color del invierno nevado de la Sierra madrileña, sus ojos han tomado el color del cielo limpio, sin nubes y su mirada refleja paz, esa que solo te puede enseñar la naturaleza.

Gracias Miguel Angel.

LEY DE MÍNIMOS-2 (repetición)

2008-12-09T14:45:00.000-08:00

ALVARO GRAUCH (modelo)

2008-12-09T12:21:00.000-08:00

ZEN EN EL ARTE DEL TIRO CON ARCO (libro)

2008-12-09T09:52:00.000-08:00

ZEN

EN EL ARTE

DEL TIRO CON ARCO

EUGEN HERRIGEL

“Este libro no será fácil de leer”, dice en su primera frase y continua “ya que es imposible expresar en palabras las cosas que con palabras no se pueden explicar”.

Haciendo un pequeño resumen:

El alemán Eugen Herrigel se trasladó, entre la primera y la segunda Guerra Mundial, a Japón con su esposa para enseñar, en la Universidad, Historia de la Filosofía Occidental. Allí permaneció 6 años, en los que se ejercitó en el arte del kyudo (tiro con arco) y estudió la filosofía Zen.

Se puso en manos del Maestro Awa, de quien decían que era capaz de tirar 100 veces y dar las 100 en la diana. Aunque al principio el maestro mostró su recelo por enseñar a un occidental, dada una anterior experiencia, Herrigel lo convenció para que lo tomara como discípulo. Cuando pasaron los 6 años de aprendizaje, Herrigel obtuvo el título de Maestro y el propio Awa le dio su mejor arco.

El tiro con arco no se refiere ni a la técnica tradicional combativa ni al deporte competitivo actual, sino que se refiere a como el tirador con arco se enfrenta a sí mismo.

Ante todo se trata de armonizar lo consciente con lo inconsciente, para ser un maestro del tiro con arco no basta con el dominio de la técnica hay que superar este aspecto de forma que se convierte un “arte sin artificio” emanado de lo inconsciente.

En Japón el tiro con arco no es un deporte, es un acto ritual, es como ya he dicho un enfrentamiento del tirador consigo mismo. Este enfrentamiento consiste en que apunte a sí mismo y no a sí mismo de modo que uno es y no es una cosa y la contraria.

El Zen y la cultura japonesa están íntimamente relacionados, su forma de vida moral y estética, su vida intelectual, la actitud espiritual de samurai, deben su peculiaridad al Zen por eso son poco menos que incomprensibles para quien no esté familiarizado con él.
El budismo Zen nace en la India, se desarrolla en China y se adopta en Japón como Zen

-->Herrigel nos cuenta sus propios fallos, su confusión y el largo y duro camino que tuvo que recorrer hasta comprender e interiorizar esta filosofía, y así por tanto, llegar a dominar el arte del tiro con arco. No duda en mostrar sus errores, torpezas, angustias y descorazonamiento durante este viaje, y en afirmar que todo ello valió la pena por la indescriptible sensación que obtuvo al desprenderse de todo pensamiento y sentimiento para ofrecerse al arte.

Lo que vale con respecto al tiro con arco o la esgrima es aplicable, en el mismo sentido a todas la demás artes, así la maestría del pintor a la tinta china se revela precisamente en que la mano, dueña incondicional de la técnica, ejecuta y visualiza la idea que simultáneamente está creando el espíritu sin que medie el grosor de un pelo. La pintura se convierte en escritura automática, y también en este caso, la instrucción para el pintor podría ser la siguiente: observa durante diez años el bambú, conviértete en bambú, luego olvídate de todo y pinta.

Correlacionando con el proceso de creación artística se comienza con la experimentación procurando no morir en el intento. Hay que ser flexible, adaptarse, solo en el camino o proceso nos encontraremos, (se abren muchos puntos de vista) hay que mirar de otra manera, ponerse en otro punto de vista, desprenderse de sí mismo. El arte genuino no conoce fin ni intención. Solo existe el hecho de crear lo demás es alejarse del camino.

El maestro intentará convertir al discípulo en un artesano que domine la técnica, el oficio, antes de despertar al artista.

Durante el proceso creativo hay que desconectar y abstraer, sin interferencias y la inteligencia artística debe adaptarse y sacar el máximo partido a las dificultades, inclinarse a favor del viento. El éxito en la tarea no depende de los instrumentos sino de la creatividad del artista, de su técnica y de saber olvidarse de todo lo aprendido. Cuando uno adquiere una destreza o conocimiento ya no tiene que prestar atención, esta tarea será automática y así podrá pasar al nivel siguiente.

Podría decirse que quien se ha liberado de todas las ligaduras puede ejercer cualquier arte a partir de esa fuerza de su presencia de espíritu no perturbada por ninguna intención. Sólo de esta forma el ser humano es capaz de percibir que las distintas fases del proceso creador "se dan " a través de sus manos como emanadas de un poder superior.

Podemos concluir de todo esto, que más importante que todas las obras exteriores, por cautivantes que sean, es la obra interior que debe realizar el hombre si ha de cumplir con su destino de artista. La obra interior consiste en que él, como ser humano que es, se convierta en la materia prima de una plasmación y formación que concluye en la maestría. Así el maestro ya no busca, encuentra. Como artista es un hombre sacerdotal, como hombre es un artista en cuyo corazón, en todo su hacer y no-hacer, crear y callar, ser y no-ser, penetra la mirada del Buda.

EXPOSICIÓN DE ADRIAN TYLER

2008-12-08T04:49:00.001-08:00

La galería Max Estrella expone la obra de Adrian Tyler, tituada "Prohibido el paso".

Tyler nos muestra un retrato de la sociedad contemporánea. Fotografía la naturaleza y el poder, la vegetación frente a la política. Nos enseña lugares a los que nos está prohibido el paso, como los pasillos del Parlamento Europeo de Bruselas o salas de diferentes centrales nucleares españolas, cuya visión está reservada a unos pocos.
Frialdad, simetría , control ejercido por el hombre en estos espacios frente a la naturaleza desvordante, salvaje sin orden aparente ni simetría y donde no hay huella del hombre. Confronta lo natural y lo humano y como el hombre ha modificado el espacio.
Concienciar al hombre con la crítica y el respeto por la naturaleza frente a intereses económicos y políticos Tyler trata de manejar todos estos conceptos un trabajo coceptual, una coherencia discursiva y su precisión técnica.

TRABAJO PERSONAL

2008-12-02T10:01:00.000-08:00

EXPOSICIÓN DE MAYUCA

2008-12-02T09:28:00.000-08:00

EXPOSICIÓN DE MARINA NÚÑEZ

2008-11-29T10:01:00.000-08:00

LEY DE MÍNIMOS

2008-11-27T03:27:00.001-08:00

LA BELLEZA EN LO VULGAR

2008-11-23T07:26:00.000-08:00

REPORTAJE: Arenera : ¡para los que allí trabajais¡ un saludo y gracias.

2008-11-22T09:26:00.001-08:00

ANTIRREPORTAJE: LETRAS EN LA TIERRA

2008-11-21T02:13:00.001-08:00

Daniela Valle, video con luz.

2008-11-19T03:02:00.000-08:00

Me ha parecido interesante como trabaja en "light-painting y el time-lapse, esta artista mejicana al hilo del ejercicio que hicimos con las linternas. Lo podeis buscar en Xataka Foto, o por su nombre.

NARIZ DE PAYASO

2008-11-19T01:48:00.002-08:00

Ayer en las noticias de las tres de la tarde, dieron la siguiente noticia: una discoteca de Valencia van a sortear con la entrada una operación de cirugía estética de aumento de pecho, si el afortunado fuese un varon este podría regalarsela a su novia, a su madre o a quien quiera.
Más tarde tienen pensado hacer lo mismo con los hombres, sorteando un aumento de labios y una depilación completa. (El costo de la primera operación lo estimaban en unos 4000 Euros).

PROPUESTA PARA REALIZAR UN TRABAJO EN GRUPO: CIRUGÍA DE LA RISA
Con el grupo de clase se hace un sorteo que consiste en una nariz de payaso color verde. Al que le toca tiene que posar haciendo payasadas y los demas hacen fotos. Cuando el agraciado con el premio termina se la pasa al compañero que quiera, este hace de modelo y los demas hacen fotos, así hasta pasar todos. también se podría hasta montar acuaciones en grupos y hacer series de fotos que cuenten historietas de humor.
Se haría una selección de las fotos para hacer una exposición cuyo título podría ser OPERACIÓN RISA, CIRUGÍA DEL HUMOR. Pondriamos un audio con risas enlatadas y un espejo con una cámara detras con un letrero que diga "Curate, mete la mano en la caja indicada y operate" Las cajas todas iguales y cerradas tienen un agujero para meter la mano y sacar una nariz de payaso (en todas es la misma). Las cajas tienen leyendas como: contra la depresión, contra el llanto, alivio inmediato de la tristeza, ponte bella-o, cambio de personalidad, ...

EXPOSICIÓN DE KEISUKE SHIROTA

2008-11-18T09:44:00.000-08:00

KEISUKE SHIROTA

En la galería Arnés-Röpke

El pasado viernes cuando fuí a ver la exposición de Chihuly, en la galería Marlborough ,llegué sobre la siete menos cuarto y la estaban embalando en cajas. La he mirado en la web y me ha dado rabia no verla de forma real, me han parecido una maravilla sus trabajos llamados "Drawing Walls", esta foto de abajo es uno de ellos

os recomiendo que visiteis su página http://www chihuly.com/

Después de esto decidí hacer el recorrido por dos de mis galerias favoritas, la que os he nombrado arriba Arnés-Röpke, donde expone hasta el 13-12-08 este artista japones, nacido en el año 75, Shirota hace fotos al azar, en color, y luego las pega sobre un lienzo y continua pintando con óleo en blanco y negro una continuación de la fotografía. Nos viene a contar que la memoria se desvanece en el recuerdo, por ello pinta en blanco y negro, cuando la foto que representa la realidad está en color.
La verdad es que tiene una gran destreza con la pintura y minuciosidad. Pasaros a verla, si os apetece.

La otra exposición la ví en la Galería Astarté inauguraba ese día Olga Simón también exposición de fotografía, bajo el título Jadín Polar .

Nacida en el 74, esta madrileña está licenciada en Bellas Artes por la Universidad del
País Vasco. Actualmente realiza su tesis doctoral sobre la Fotografía Introspectiva
en la Universidad Complutense de Madrid.

Sus imágenes son bloques de hielo donde las emociones y las palabras estan atrapadas en un frio polar. Bajo ese bloque de hielo surgen signos, grafismos y palabras como si de un enigma se tratase, pero hay que esperar a que suba la temperatura y se convierta en agua para poder llegar a descifrarlo.

ESTAMPA-08

2008-11-18T08:48:00.000-08:00

ESTAMPA -2008

Como autenticos japones, lo digo por lo de cámara en mano y disparando cada pocos segundos, recorrimos otra compañera y yo la exposición, con la vista saturada por , el bombardeo de imágenes e ideas. No había nada que pudiesemos dejar pasar. Entre tanta obra siempre reconoces a los de siempre, los clásicos y otros más jovenes pero que acuden a menudo . Y lo que percibí en Estampa es lo que vemos a nuestro alrededor, el hecho que cada día parece estar más en boga dentro del arte del mestizaje o la hibridación en el proceso creativo, debido a que las nuevas tecnologías se van ligando con antiguas técnicas, y así descubrimos la escultua ligada al grabado, la fotoinstalación, el videoarte o el grabado, la foto y la pintura conviviendo juntas dentro de un caja de luz.

Me gustaron las fotos de los tacones bajando la escalera de Graciela Sacco, un punto de originalidad dentro de la mirada fotográfica. Me sigue gustando Ellen Kooi, a quien tuve la oportunidad de ver en una exposición muy buena en la Casa Encendida el año pasado, o los vestidos de novia de Ana Álvarez-Errecalde empujando carros supercados como fantasmas, sin cuerpos visibles.

Y siempre me acerco a ver los Premios de Grabado Contemporáneo para mujeres artistas. Este año ha ganado Eva Snatín con su obra "Equinocio"

También me gustaria mostraros la segunda mención de honor de Mª. Expósito Sentiso bajo el título "Je ne suis pas une marionnette"

!Hasta la proxima edición!, recordad que dentro de poco vine Arco.

LA MAGIA DE LA LUZ

2008-11-18T03:42:00.000-08:00

TRABAJO PERSONAL ANTERIOR

2008-11-18T03:11:00.000-08:00

EXPOSICIÓN DE MARÍA PEÑIL

2008-11-18T01:13:00.000-08:00

Se está celebrando actualmente en el Centro Cultural Galileo de Madrid, una exposición de una antigua compañera María Peñil, que bajo el título "Ritmos Interiores" agrupa una serie de xilografías, gabados, técnicas mixtas, fotografías y esculturas.

Enclavada en una gran sala y siguiendo el sentido de las agujas del reloj podemos empezar con la xilografías, gabados y técnicas mixtas en tintas rojas bajo títulos como "Desarrollo interior", "Formas en crecimiento"... esto nos empuja a formarnos ya una clara imagen de lo que María pretende, representar la vida, su proceso de transfomación, expresada con distintas técnicas y así en sus fotografías vemos cuerpos en simbiosis con la naturaleza, como el que parece haber sido engendrado por un árbol, o esos brazos que aparecen como creciendo a modo de musgo entre las piedras.

Sus esculturas realizados con arpillera, cera virgen y cáñamo estan repartidas por el centro de la sala. Son como crisálidas, esas donde se lleva a cabo la compleja metamorfósis. Parecen formar parte de la especie de las diurnas o ropaloceros que buscan un lugar adecuado y se cuelgan de la parte posterior de su cuerpo mediante unos hilos de seda. El tiempo de permanencia de la crisálida es extraordinariamente variable, incluso dentro de una misma especie y en algunos casos pasan varios años en este estadio, aunque lo habitual es que sean periodos de algunos meses, cuando no de unas pocas semanas. La crisálida es capaz de detectar las condiciones de humedad y temperatura del ambiente, y sólo aparecerá el insecto adulto en el momento que los parámetros ambientales sean los adecuados. María Peñil parece que ha dejado definitivamente el capullo y ha comenzado a volar. !Felicidades!.

PD. Tengo el catálogo, ya os lo enseñaré.

ENTRE FOTOS

2008-11-17T04:47:00.000-08:00

CUARTEL DEL CONDE DUQUE

ENTRE FOTOS

Se celebró la pasada semana en el centro Cultural Conde Duque. Casi cuarenta fotógrafos expusieron allí sus obras. Una mesa, una silla y un trozo de pared donde colgar algunas de ellas. Conocía personalmente a algunos de ellos, como a María Fernández, con quien coincidí en el taller de Isabel Muñoz de PhotoEspaña hace dos años, de otros conocía sus obras a fuerza de navegar por la red, de algunos nada, pero charlé con casi todos. Amablemente respondieron a mis preguntas, me dieron sus tarjetas para poder visitar su web y así coger ideas, ver como las tienen diseñadas, etc. Yo les desee suerte (no vi muchos puntos rojos).He de señalar siendo algo crítica que me pareció demasiado pequeño el espacio, todo andaba muy junto y algo revuelto pero no descarto presentarme a alguna edición en el futuro, y no penséis que soy presuntuosa, creo que mis obras o las de muchos de mis compañeros podrían estar allí.

(Margarita Glez, “Cabo de Gata”)

Isabel Tallos

Manuel Bayo

Retazos de miradas, que con una simple pulsación del dedo índice sobre la cámara consiguen denunciar la falta de escolarización en África, donde en las pocas escuelas que hay los niños asisten desnudos. O toda la belleza de una atmósfera fría y lluviosa en un paisaje de la Patagonia, a través de la ventanilla empañada de un coche. O los del cabo de Gata, o esos trozos de paisaje urbano a modo de abstracciones pictóricas. Y también cuerpos de mujer, panorámicas con niebla, la foto y su reflejo, grandes rascacielos
como si fuesen quesos gruyère, flores, cianotipias, … y poco color, casi todo en blanco y negro.

Imágenes que critican, que exaltan la belleza, que desafían a la gravedad, que muestran pequeños detalles…Imágenes para soñar, para admirar, para querer poseer.

Axelle Fossier

Una vez hube terminado de ver “Entrefotos” pasé a ver la colección del Conde Duque y luego la exposición temporal de Joaquín Torres García, os recomiendo las dos.

Zobel

Exposición Torres García

Pero la cosa no acabó aquí, al salir y cruzar la pequeña plaza situada frente
al Conde Duque, descubrí la galería Blanca Berlín. Allí expone Silvia Plachy.

Este es su autorretrato, no me entusiasmó nada, la encontré muy blandita. En cambio descubrí al fondo, fuera de la exposición y en los fondos de galería que me mostraron luego a otro fotógrafo que interviene las fotos con pintura, este me pareció original y creativo, me gustó la idea, se llama Jaime Compairé.

Y después de la larga mañana, nada mejor que reponer fuerzas pues se hizo la hora de la comida, y en la calle del Limón, encontré la taberna “Aborigen”, donde degustamos una ensalada templada con hongos y gulas y otras cosillas.¡Ah¡ en ella se encontraban comiendo un montón de fotógrafos y la galerista.

Saludos.

RIOS VIVOS

2008-11-17T04:29:00.001-08:00

6 ARTISTAS FAMOSOS

2008-11-11T11:14:00.001-08:00

INTERVENCION FOTOGRÁFICA: "SIN SENTIDO-s"

2008-11-09T11:22:00.000-08:00

LA CAJA

2008-11-06T03:47:00.000-08:00

BARRIO DE LAS LETRAS

2008-11-02T13:06:00.001-08:00

LA ILUSTRACIÓN TOTAL. ARTE CONCEPTUAL DE MOSCÚ 1960-1990

2008-11-02T09:55:00.000-08:00

LA ILUSTRACIÓN TOTAL. ARTE CONCEPTUAL DE MOSCÚ 1960-1990

Esta exposicón nos muestra el "arte conceptual del comunismo", una crítica llena de humor e ironía que durante más de treinta años llevó a cabo la escena artistica "no oficial" sobre la ideología y la cultura oficiales del régimen soviético.
Organizada por la Fundación Juan March y la Schirn kunsthalle Frankfurt, presenta mas de 200 obras, pinturas, dibujos, esculturas y objetos, fotografías e instalaciones de 25 artistas. Entre otros, de Iliá Kabakov, Erik Bulátov, Borís Mijáilov, Dmitri Prígov, Komar & Melamid, Andrei Monastyrski, Luri Albert o Vadim Zajárov, así como de grupos como Acciones Colectivas o Inspección Hermenéutica Médica. Todas las obras expuestas fureron reaziladas durante las décadas en las que estos artistas vivian y trabajaban en la Unión Sovietíca, y nos permiten una visión sobre las condiciones de una cultua -la soviética- determinada por el programa artístico-político de la época de Stalin.
En esta exposición debemos destacar su presentación que se adecua muy bien a como estas fueron ideadas y expuestas, el poco espacio para muchas obras, las mesas llenas de papeles que nos remiten directamente la burocracia del sistema, los estrechos laberintos, el color gris de sus paredes. Estas obras fueron creadas en ámbitos privados, sin apenas público o crítica oficial. Las obras se exponían en apartamentos y talleres pivados. Su fin era educar a las masas , y su componente era, en mayor medida que en Occidente, "textual" y discursivo, con discursos, lemas y eslóganes ideológicos omnipresentes en la vida cotidiana
En la planta baja y en la entreplanta de la exposición encontramos las obras de la primera generación de conceptualistas de Moscú, estos artistas emplearon en muchas de sus obras el lenguaje de la gente sencilla del puelbo soviético. el lenguaje de la vida ordinaria, para rebjar las pretensiones de dominio de la palabra ideológia total.
Con un uso muy diviertido e irónico, las formulas de la ideología soviética eran reducidas al absurdo, igualadas al lenguaje ordinario o sometidas a una comparación con otros textos y discursos que reducían su pretensión de verdad absoluta. Como por ejemplo los intentos del regimen de organizar la vida social y política hasta sus últimos detalles desde la óptica de un plan total resultan parodiados en obras como "Domingo por la tarde" de Iliá Kabakov que muestra una ridícula ficha burocrática que reúne los datos de algo tan efímero e insignificante como una velada entre amigos.
El objetivo de esta exposición que nos ocupa es hacer una contribución al análisis histórico de una de las estrategias artisticas más importantes de Rusia en la segunda midad del siglo veinte, a través de una mirada amplia sobre las posiciones de la primera y segunda generación de artistas conceptuales de Moscú.

EXPLORAR LOS LÍMITES

2008-10-29T05:20:00.000-07:00

Partiendo de la película "El Show de Truman"´hoy hemos debatido en clase sobre los límites en el arte, ¿hay que ponerle barreras, o todo vale?.

En primer lugar al analizar la película, vemos una correspondencia con el "Mito de la Caverna" de Platón. Haciendo memoria recordemos que en una gruta viven una serie de prisioneros encadenados y solo pueden mirar a la pared del fondo. (son prisioneros como Truman en su mundo ficticio). Estos hombres solo captan sombras que son las apariencias, es decir lo que captamos a través de los sentidos y pensamos que esto es real. Las cosas naturales, el mundo que está fuera de la caverna s0n el mundo de las ideas. Un prisionero logra escapar, como Truman en la película. Esto viene a ser una alegoría que cuenta como podemos engañarnos a nosotros mismos. Solamente los que son capaces de hacer un esfuerzo y liberarse de sus cadenas (su ignorancia) pueden llegar al mundo de las "ideas", a la libertad.

Divididos en dos grupos hemos argumentado, a favor y en contra de este tipo de acciones en relación con el arte y sus "límites morales", os comento algunas de las opiniones, pero el debate sigue abierto:

-Manipulación y falta de libertad
-Plantea nuevas propuestas en el mundo del arte que enriquece dicho mundo
-Las críticas sociales pueden ser de lo más impactantes y por lo tanto concienciar a mucha gente al mismo tiempo
-Nos hace más curiosos, todos tenemos algo de voyerismo.
-Podemos educar desde modelos y educar con un fin
-Permite estudiar el comportamiento humano para poder predecir sus reacciones
-Estamos experimentando con seres humanos.
-Podemos alienar los pensamientos de grandes grupos
-El hombre pierde su identidad, sus recuerdos son artificiales

Partiendo que en el arte todo es mentiraqye todo se puede manipular para que parezca real que todo es puro teatro, las críticas a la sociedad pueden ser bestiales, pudiendo llegar a un monton de sectores sociales y concienciara muchos, pero si se traspasan los límites de la realidad, francamente es repugnante y a muchos de nosotros nuestro código ético no nos permitiría ni mirarlo, aunque nos estambién terrorífica y repugnante la guerra, el maltrato de género, el asesinato, la falta de libertad y expresión y tantas cosas más.

75% AGUA

2008-10-28T10:47:00.001-07:00

CÍRCULO DE BELLAS ARTES

2008-10-28T06:12:00.000-07:00

CAIXA FORUM

2008-10-21T00:20:00.001-07:00

MÁQUINAS Y ALMAS

2008-10-08T02:02:00.000-07:00

Entrar en «Máquinas y almas» es encontrarse
con un mundo fantástico, donde el arte cobra vida, se desarrolla, se contempla y hasta interactúa con los visitantes. Esqueletos de animales que caminan, espejos que imitan a sus espectadores, obras de arte dinámicas con ferrofluidos y esculturas de luz se revelan entre las salas.

La exposición explora la convergencia entre arte, ciencia y tecnología y lo hace esbozando un panorama que, paralelamente, intenta ser representativo de las características de ése nuevo arte digital. “Máquinas y Almas” incluye el trabajo de 20 artistas escogidos por su capacidad de aunar arte y ciencia, creatividad, sentimiento y misterio. La tremenda diversidad de sus obras es bastante representativa del arte digital. Un arte aún en sus inicios y con todas las características de un recién nacido: dubitativo, expectante, compulsivo y con un enorme potencial.

Pero varias preguntas asaltan mi mente: “¿Pueden las máquinas tener alma? ¿El arte tiene vida propia? ¿La tecnología es un medio para crear belleza?”
Para contestar a esta primera pregunta, antes tendríamos que definir con precisión lo que entendemos por “máquina” y por “alma”. Roger Penrose, entre otros, ha argumentado con solidez (sobre todo en su libro La nueva mente del emperador) que la inteligencia creativa y autoconsciente (que podría ser una definición laica de “alma”) no puede reducirse a un mero conjunto de algoritmos. Pero los ordenadores no tienen por qué ser meramente algorítmicos, y puesto que no sabemos cómo se produce la chispa de la conciencia, no podemos excluir la posibilidad de que salte, de forma espontánea o inducida, en los superordenadores del futuro. Aun en el supuesto de que la inteligencia tuviera que ver con aspectos todavía desconocidos de la mecánica cuántica, como sostiene Penrose, esos hipotéticos procesos criptocuánticos no tendrían por qué ser exclusivos de la vida orgánica.
Y aunque así fuera, la imitación de la vida, incluso de la vida racional, no tiene límites, al menos en teoría. Aunque las máquinas nunca lleguen a pensar realmente (sea lo que fuere lo que eso significa), se comportarán de una forma cada vez más autónoma y creativa, y puesto que de los demás sólo podemos saber lo que hacen y dicen, y no lo que piensan o sienten en su fuero interno, si la conducta de una máquina parece inteligente, será, a todos los efectos prácticos, como si lo fuera. El impacto psicológico y sociológico de esta revolución inminente será sin duda enorme, y por más que la ciencia ficción, tanto literaria como cinematográfica, haya abordado la cuestión desde innumerables ángulos, seguramente el futuro inmediato nos depara sorpresas que no podemos ni imaginar. Es muy significativo que la ciencia ficción, tan audaz en lo tecnológico y tan conservadora en lo sociológico, no previera la aparición de Internet. Y aunque las leyes de la robótica de Asimov rijan la conducta de los androides, ¿qué nuevas cláusulas del contrato social regularán nuestra propia conducta?
En ciencia ficción las tres leyes de la robótica son un conjunto de normas escritas por Isaac Asimov, que la mayoría de los robots de sus novelas y cuentos están diseñados para cumplir. En ese universo, las leyes son "formulaciones matemáticas impresas en los senderos positrónicos del cerebro" de los robots (lo que hoy llamaríamos ROM). Aparecidas por primera vez en el relato Runaround (1942), establecen lo siguiente:
Un robot no debe dañar a un ser humano o, por su inacción, dejar que un ser humano sufra daño.
Un robot debe obedecer las órdenes que le son dadas por un ser humano, excepto si estas órdenes entran en conflicto con la Primera Ley.
Un robot debe proteger su propia existencia, hasta donde esta protección no entre en conflicto con la Primera o la Segunda Ley.

"Un robot no puede hacer daño a la Humanidad o, por inacción, permitir que la Humanidad sufra daño."

Blade Runner es una película de ciencia ficción estadounidense, dirigida por Ridley Scott, estrenada en 1982 y basada en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Do Androids Dream of Electric Sheep? (1968)). Se ha convertido en un clásico de la ciencia ficción y precursora del género cyberpunk. Obtuvo dos nominaciones a los Oscar.
La película transcurre en una versión distópica de la ciudad de Los Ángeles, EE.UU., durante el mes de noviembre de 2019.
El guión, escrito por Hampton Fancher y David Peoples, se inspira libremente en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick. El reparto se compone de Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, M. Emmet Walsh, Daryl Hannah, William Sanderson, Brion James, Joe Turkel y Joanna Cassidy; el diseñador principal fue Syd Mead y la música original fue compuesta por Vangelis.
La película describe un futuro en el que seres fabricados a través de la ingeniería genética, a los que se denomina replicantes, son empleados en trabajos peligrosos y como esclavos en las "colonias exteriores" de la Tierra. Estos replicantes, fabricados por Tyrell Corporation para ser "más humanos que los humanos" -especialmente los modelos Nexus-6- se asemejan físicamente a los humanos (aunque tienen una mayor agilidad y fuerza física) pero carecen de la misma respuesta emocional y de empatía. Los replicantes fueron declarados ilegales en el planeta Tierra tras un sangriento motín. Un cuerpo especial de la policía — los blade runners — se encarga de rastrear y matar a los replicantes fugitivos que se encuentran en la Tierra. Con un grupo de replicantes particularmente brutal y hábil suelto en Los Ángeles, un dubitativo Deckard es invocado desde su semirretiro para que use algo de "la vieja magia blade runner".
El término alma o ánima se refiere a un principio o entidad inmaterial e invisible que poseerían algunos seres vivos cuyas propiedades y características varían según las diferentes tradiciones y perspectivas filosóficas; ánima se refiere de modo similar al espacio acanalado del cañon o fusil; por el cual la bala, realiza su recorrido antes ser proyectado hacia su objetivo. Etimológicamente la palabra del latín anima se usaba para designar el principio por el cual los seres animados estaban dotados de movimiento propio. En ese sentido originario tanto los animales como el ser humano estarían dotados de alma.
Eduar Punset afirma que las emociones, ideas, temores, deseos, espiritualidad… y tantos otros aspectos de nuestra vida que nos caracterizan como seres humanos dependen de las complejísimas operaciones de nuestro cerebro. Cuando nos interrogamos acerca de nosotros mismos, son muchas las preguntas que surgen: ¿es el alma el resultado de reacciones químicas y eléctricas, tan sólo?, ¿depende un aspecto tan relevante de nuestra existencia como el amor de unas meras conexiones neuronales?, ¿se puede manipular el pensamiento de otros?, ¿los artistas tienen un cerebro distinto?, ¿lo que sugiere nuestro inconsciente es lo que somos?, ¿nos engañan nuestras percepciones?, ¿tenemos el mismo cerebro que nuestros antepasados de la Edad de Piedra? por que las maquinas no pueden ser orgánicas, ? alguien puede definir el alma, la esencia de un animal? ¿Tienen alma las máquinas?

Hoy en día nos movemos en un mundo tecnológico. La intrépida evolución de los nuevos medios digitales ha desencadenado una sociedad que ha interiorizado y hecho como suya la tecnología. Todo se mueve por y para Internet, mediante un ordenador y a través de las ondas. Ya no se es nadie si no se sabe informática, sino se está conectado a la red, si no almacenas en un disco duro…
La tecnología ha creado tales imposibles que se asemejan a verdaderas obras de arte. Pero entonces ¿la tecnología ha creado este arte de manera espontánea o es simplemente una herramienta, un medio usado por el artista para conseguir un fin? Si se trata de un utensilio, ¿qué ha llevado al artista a utilizarlo? ¿Simplemente un acto de supervivencia (reciclarse o morir), de estar de moda, a la última o hay algo más? ¿Se esconden detrás de él unas bases, unas pautas, es la constante adaptación del arte clásico a un mundo que no terminará jamás de avanzar e inventar?

¿Es posible difundir el arte a través de este medio? Se ha hablado siempre de que una obra de arte es algo más que un lienzo al óleo, o un trozo de metal, o un papel arrugado. El arte tiene que transmitirnos algo, llegar al espectador, provocarlo, hacerle pensar,… Es entonces cuando consideramos algo como arte. Al hablar de este nuevo arte me pregunto si es capaz de conseguir ese objetivo,( que sí lo es, algo que reitero tras haber visto la exposición). Pero, ¿cómo es posible si el medio usado se ha tachado siempre de impersonal? Esa lucha entre las dos grandes fuerzas de las que se compone la obra de arte, creador y medio o soporte en el que crear es quizá lo más apasionante de esta exposición. Cada obra tiene alma, cada artista ha sido capaz de expresar a través de lo impersonal. Y eso lo dota de una gran fuerza, porque a pesar del sometimiento de la sociedad a la tecnología todavía somos dueños nuestra persona y capaces, en ocasiones, de dominar el medio a nuestro gusto. Vuelve la dicotomía entre dominador- dominado. Pero solo a través de la obra el artista puede sentirse como un Dios capaz de controlarlo todo. Y así lo demuestra la tenue luz que incide sobre las obras, iluminando la creación, ese predominio del hombre sobre la máquina. SACHIKO KODAMAProtrude Flow, 2008© Reservados todos los derechosCortesía Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

THEO JANSENStrandbeest [bestias de la playa], 2007© Reservados todos los derechosCortesía Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

DANIEL ROZINWeave Mirror, 2007© Reservados todos los derechosCortesía Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
JOHN MAEDANature, 2005© Reservados todos los derechosCortesía Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
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ARTISTAS PARTICIPANTES
Antoni Abad (España, 1956)David Byrne (EEUU, 1952) y David Hanson (EEUU, 1969)Daniel Canogar (España, 1964)Vuk Ćosić (Serbia, 1966)Evru (Zush) (Barcelona, 1946)Harun Farocki (República Checa, 1944)Paul Friedlander (Reino Unido, 1951)Pierre Huyghe (Francia, 1962)Theo Jansen (Holanda, 1948)Natalie Jeremijenko/Ángel BorregoSachiko Kodama (Japón, 1969)Rafael Lozano-Hemmer (México, 1967)John Maeda (EEUU, 1966)Chico McMurtrie / Amorphic Robot Works (EEUU, 1961)Antoni Muntadas (España, 1942)Daniel Rozin (Israel, 1961)Ben Rubin (EEUU, 1964) y Mark Hansen (EEUU, 1964)
Entre lo que más me llamó la atención se encuentran los golems de Theo Jansen y las esculturas con fluidos magnéticos de Sachiko Kodama. El resto de la exposición también merece mucho la pena, aunque se me hizo corta, la verdad. Hay varias obras curiosas de escultura luminiscente, video, arte, redes sociales, etc…. Los golems deTheo Jansen consisten en esculturas móviles fabricadas en goma y plástico que se alimentan de energía eólica y viven en las playas. Su construcción se ha realizado de forma artesanal combinada con la evolución de las geometrías corporales en un ordenador (empleando algoritmos genéticos) a fin de optimizar su morfología. Hacen cosas realmente sorprendentes para ser meras esculturas:, caminan, se encogen, cavan, tantean la arena y parecen sentir el agua y el viento.
En cuanto a los ferrofluidos de Kodama, me dejaron completamente hipnotizada. Se trata de una suspensión coloidal de partículas ferromagnéticas imbuida en un campo magnético. Al modular el campo magnético, el líquido se ve atraído o repelido formando maravillosas figuras tridimensionales que desafían la ley de la gravedad.

CAMINOS DE HIERRO

2008-10-07T06:58:00.000-07:00